Rembrandt

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Biografia e Vita di Rembrandt

Uno dei più grandi pittori nella storia dell'arte,  il principale artista della grande epoca della pittura olandese, Rembrandt van Harmensz van Rijn nacque il 15 Luglio del 1606, ottavo figlio di un mugnaio a Leida, ma è sempre stato considerato un pittore di Amsterdam (che in quegli anni  era all'apice della sua potenza commerciale) dove si trasferì nel 1631 e dove sposò Saskia, la figlia di un noto commerciante d'arte. Di sicuro Rembrandt è  considerato il più grande pittore d’Olanda e tra i più grandi di tutti i tempi.

 

Giacobbe benedice i figli di GiuseppePer gamma, originalità e potenza espressiva la sua grande produzione di dipinti, disegni e incisioni non è mai stata superata. La sua peculiarità oltre che per la maestria pittorica sta nel fatto che ci ha lasciato, come mai altri pittori, moltissimi autoritratti (tra cui quello sopra riportato) che documentano le diverse fasi della sua vita.  Nel tentativo di cogliere appieno la misura del successo di Rembrandt, è stato talvolta commesso l'errore di interpretare le sue opere come un'autobiografia. Questo non è vero. Le sue esperienze si riflettono nelle sue opere non direttamente, ma trasfigurate in arte. Le vicende dell'arte sono di natura diversa dalle vicende della vita, e si capisce ben poco delle relazioni tra questi due diversi ambiti dell'essere. I pochi fatti mondani che conosciamo sulla vita di Rembrandt non cominciano a spiegare le sue opere o a spiegare le sue straordinarie capacità.

 

 

Tramite la scuola di Utrecht e il suo maestro Lastman apprese la lezione di un altro genio, l'italiano Caravaggio. Nei ritratti del pittore si notano differenti abiti, espressioni, pose ed accessori e uno sguardo acuto che sembra guizzare magicamente al di fuori del quadro. Rembrandt era così, superbo ed ambizioso, alla ricerca di fama e di gloria, in perenne competizione con i suoi maestri, come il celebre pittore Pieter Lastamn. Più di tutte però era la figura e la celebrità del "principe dei pittori e pittore dei principi" ad ossessionarlo, l’idolo della generazione precedente: Pieter Paul Rubens.

 

Ronda di Notte - RembrandtLa caratteristica principale delle opere di Rembrandt è la cromaticità e l'uso sapiente della luce. La sua produzione in genere viene suddivisa in quattro periodi: quello di Leida (1625-1631) che risente delle influenze italiane di Annibale Carracci e del Caravaggio (Ritratto di Nicolaes Ruts, 1631); il primo periodo di Amsterdam (1632-1639) (Lezione di anatomia del dottor Tulp, 1632, Autoritratto con Saskia, 1634); il secondo periodo di Amsterdam (Ronda di notte, 1642, con la luce che proviene dal fondo oscuro); il terzo periodo di Amsterdam (1651-1669), con ritratti, autoritratti e la Sposa ebrea (1665). Numerose sono anche le sue opere grafiche. I lutti  della sua vita provocarono una successiva crescente interiorizzazione dell'artista. Ciò, unito al distacco dal convenzionale e dalle forme classiche, lo proiettò verso un'espressione della pittura del tutto moderna, ma che purtroppo non incontrando i gusti del tempo gli creò notevoli disagi economici visto che come si è detto morì solo e povero. Notevoli tra le sue produzioni sono anche Sansone accecato dai filistei, 1636; Cristo e l'adultera, 1644; I pellegrini di Emmaus, 1648; Giovane che si bagna in un ruscello, 1655; Autoritratto col bastone, 1658.

 

 

 

Rembrandt nacque a Leida il 15 luglio 1606, accanto all'ultimo dei nove o più figli del mugnaio Harmen Gerritsz van Rijn e della figlia del fornaio Neeltgen Willemsd van Zuytbroeck. Per 7 anni fu studente della scuola di latino, e poi, nel 1620, si iscrisse all'università. Rembrandt decise di dedicarsi alla pittura pochi mesi dopo la sua iscrizione all’università di Leida, che lasciò per la bottega del pittore Isaac von Swanenburg, che aveva studiato in Italia, dove fu apprendista per 3 anni..


Nel 1624 si recò ad Amsterdam per lavorare con Pieter Lastman, un pittore di scene bibliche, mitologiche e storiche. Nel XVI e XVII secolo la teoria dell'arte classificò la "pittura storica" come superiore a tutti gli altri campi, e Lastman era uno degli specialisti più rispettati in questo tipo di soggetto in Olanda a quel tempo. La pittura aneddotica come quella di Lastman venne ad essere messa in ombra ai tempi di Rembrandt da altri temi, come il paesaggio e la natura morta. In realtà, Rembrandt e la sua scuola sono stati praticamente gli unici pittori importanti che hanno continuato a occuparsi di temi narrativi, basati principalmente su storie bibliche, per tutto il secondo e terzo quarto del secolo. A differenza di Lastman, però, Rembrandt e i suoi seguaci ritraevano anche una grande varietà di altri soggetti. Ma anni dopo, anche dopo la morte di Lastman avvenuta nel 1633, Rembrandt continuò a prendere in prestito le materie e i motivi del suo insegnante, ad esempio, in Susanna e i vecchioni Rembrandt fece un disegno in gesso rosso dopo che Lastman nel 1614 dipinse il soggetto e nel 1647 adattò liberamente questa composizione in un quadro.

 

 

Opere degli anni di Leida
 

RembrandtFu la capacità di Lastman di raccontare una storia "visivamente" che impressionò di più il suo giovane allievo. Le prime opere di Rembrandt che conosciamo, a partire dalla Lapidazione di Santo Stefano (1625), mostrano un'imitazione solo parzialmente riuscita dello stile di Lastman, applicata a scene in cui diverse figure sono coinvolte in un'azione drammatica.

Nel 1625 Rembrandt lavorava a Leida in modo indipendente. In questo periodo era strettamente legato a Jan Lievens, anch'egli allievo di Lastman. I due giovani lavoravano in modo così simile che anche nella loro vita c'era il dubbio su chi di loro fosse il responsabile di un particolare dipinto. Usavano gli stessi modelli e lavoravano persino sui quadri dell'altro. I dipinti di Rembrandt erano però in questi anni di piccole dimensioni e in scala, mentre Lievens preferiva un formato più grande con figure a grandezza naturale.

Oltre ai soggetti narrativi, Rembrandt si esercitava con la penna, il pennello e l'ago dell'acquafortista nella rappresentazione delle emozioni trasmesse dalle espressioni del viso. Nel corso della sua carriera questo è stato il suo modello più frequente. Altri personaggi sono stati identificati come membri della sua famiglia, ma si tratta di una congettura, tranne nel caso di un disegno inscritto con il nome del padre in una mano contemporanea. A Rembrandt piaceva far indossare ai suoi modelli decorazioni come catene d'oro e cappelli di piume, mettendo alla prova la sua abilità nel ritrarre i vari particolari.

Nel 1631 Rembrandt era pronto a competere con i ritrattisti di Amsterdam. Il suo Ritratto del mercante di Amsterdam Nicolaes Ruts (1631) è un'opera dinamica, eseguito con una certa sicurezza che rende chiaro il motivo per cui il suo autore cominciava ad essere richiesto come ritrattista. Gli venne presto affidata un'importante commissione: Lezione di anatomia del dottor Tulp (1632). Per questa grande tela Rembrandt ideò una nuova composizione unificata per la tradizionale "lezione di anatomia".

 

 

Primi anni di Amsterdam
 

Nel 1631 o 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam. La sua carriera e la sua vita personale prosperarono. Su un affascinante disegno in punta d'argento di una giovane donna pensosa che reggeva un fiore, scrisse: "Questo è stato disegnato dopo mia moglie quando aveva 21 anni, il terzo giorno dopo il nostro fidanzamento - 8 giugno 1633". Dopo un fidanzamento di oltre un anno, sposò una giovane donna benestante, Saskia van Uijlenburgh. Nel 1639 la giovane coppia si stabilì in una bella casa nella Breestraat, dove oggi si trova la Casa Museo di Rembradt, la Rembrandthuis.

Come molti uomini facoltosi del suo tempo, Rembrandt cominciò presto a raccogliere opere d'arte, armature, costumi e curiosità da luoghi lontani. Utilizzò alcuni di questi oggetti come oggetti di scena nei suoi dipinti e nelle sue incisioni. La vasta collezione di disegni e stampe che accumulò nel corso del tempo gli fece conoscere opere di artisti lontani sia geograficamente che nel tempo, ma anche di contemporanei. Questo modo di fare era, in un certo senso, un sostituto del viaggio; l'artista si diceva, a 23 anni, che avrebbe potuto conoscere l'arte italiana senza lasciare l'Olanda. Ebbe l'opportunità di vedere alcuni dipinti italiani nella fiorente città mercantile di Amsterdam, ma si sarebbe affidato soprattutto alle stampe per portare l'arte italiana dentro casa sua e nella sua arte. Le sue opere riflettono la sua reattività nei confronti dei più diversi tipi di arte, dalla pittura monumentale dell'Alto Rinascimento alle miniature di Mogul.

Le opere di Rembrandt della metà degli anni Trenta del XVI secolo furono quelle che più riflettevano lo stile barocco, anzi sembra che egli abbia deliberatamente messo in discussione l'enorme prestigio di Peter Paul Rubens. Ciò appare più esplicito nelle scene della Passione di Cristo (1633-1639) che Rembrandt dipinse per il governatore della città. L'acquaforte L'Angelo che appare ai pastori (1634) mostra come la stessa drammaticità e lo stesso entusiasmo, la combinazione di dettagli raffinati con un nuovo grandioso spaccato basato in gran parte sull'unificazione della composizione attraverso la luce e l'ombra, e la scelta del momento cruciale - tutto ciò che caratterizza lo stile barocco di Rembrandt - hanno permeato le sue opere grafiche e i suoi dipinti in questo periodo. Il misterioso paesaggio che si aggiunge in modo così impressionante alla comunicazione emotiva di questa grande acquaforte ha avuto i suoi paralleli nei dipinti di paesaggio che hanno occupato Rembrandt anche in questo periodo, come il Paesaggio con l'obelisco.


 

Periodo intermedio


La Visitazione (1640) serve a riassumere bene lo stile di Rembrandt in questo punto di transizione del suo sviluppo artistico. Le piante a foglia larga piuttosto pignole e gli uccelli in primo piano a sinistra ricordano ancora Lastman. L'architettura è pura fantasia; Rembrandt di solito rappresentava, sia nelle vedute esterne che in quelle interne, strutture che non si vedevano mai nella realtà e, anzi, in molti casi non potevano essere costruite perché non si basavano su una planimetria razionale. Anche il paesaggio non ha nulla a che vedere con l'innovativo paesaggio realistico olandese del XVII secolo. La sua funzione è quella di suggerire la lunga distanza che Maria ha percorso per andare a trovare sua cugina. Invece di una spinta barocca in profondità, le figure sono dispiegate parallelamente al piano del quadro, e gli elementi orizzontali e verticali prominenti stabilizzano la composizione nella maniera "classicizzante" che doveva predominare nelle opere di Rembrandt, come nella pittura olandese in generale, a metà del secolo. Il più significativo è il fatto che il quadro si sofferma sul significato della storia in senso umano. Esso dimostra la capacità unica di Rembrandt di comunicare le emozioni più profonde dei partecipanti alla scena. L'uso arbitrario della luce è una grande risorsa espressiva; questo è stato il segno distintivo del suo genio durante tutta la sua carriera.

Uno dei dipinti più grandi e famosi di Rembrandt è il ritratto di gruppo conosciuto fin dalla metà del XVIII secolo come la ronda di notte. Non si tratta, infatti, di una scena notturna, e si intitola correttamente "La Compagnia del capitano Frans Banning Cocq", ma è più conosciuto com "La ronda di notte" (De Nachtwacht in olandese) . Per questa importante commissione, completata nel 1642 ma probabilmente iniziata alla fine degli anni Trenta del XVI secolo, l'artista ideò una composizione originale e dinamica in stile barocco che già allora aveva cominciato ad abbandonare. Il dipinto fu purtroppo abbattuto nel XVIII secolo. Si è cercato di mettere in relazione questa scena con un evento storico reale, con un dramma contemporaneo e con idee emblematiche. Queste diverse interpretazioni riflettono l'impressione persistente che si tratti di qualcosa di più di un ritratto di gruppo.

La leggenda, perché non se ne hanno conferme, dice che il capitano Cocq e la sua compagnia fossero insoddisfatti della loro pittura e che questo fallimento abbia dato inizio a un declino delle fortune di Rembrandt che si è protratto fino alla fine della sua vita. Al contrario, ci sono prove considerevoli che il quadro sia stato molto lodato fin dalla sua presentazione. Difficoltà come quelle di Rembrandt non sono state causate da un rifiuto del suo lavoro.

Avendo avuto tre figli morti in tenera età, Saskia diede alla luce un quarto figlio, Tito, nel settembre del 1641. Nel giugno 1642 Saskia morì. La governante Geertje Dircx entra in casa Rembrandt per prendersi cura del pittore e dei suoi figli in questo delicato periodo, diventandone infine la convivente anche sentimentale  (come la moglie Saskia, anche Geertje Dircx fu ritratta più volte dall’artista). Infine nel 1649 Rembrandt trovò una nuova compagna, Hendrickje Stoffels che fu con lui negli ultimi anni di vita. Quest'ultima viene menzionata per la prima volta come nuova compagna di Rembrandt nel 1649, rimase con lui fino alla sua morte nel 1663. Lasciò una figlia, Cornelia, che era nata nel 1654.

Intorno al 1640 Rembrandt sviluppò un nuovo interesse per il paesaggio che si protrasse per i successivi due decenni. Una serie di disegni e incisioni mostrano un'acuta osservazione della natura, una grande originalità nella composizione e una meravigliosa armonia. L'incisione La veduta di Amsterdam (1640 ca.) è stata il precursore degli splendidi dipinti panoramici di Jacob van Ruisdael. Il piccolo dipinto Panorama d'inverno (1646) ha tutte le caratteristiche di essere stato dipinto dal vero, sul posto. Si tratterebbe di un caso raro nel paesaggio olandese del XVII secolo, che di solito veniva dipinto in studio da schizzi.

In contrasto con le drammatiche composizioni religiose di Rembrandt del periodo precedente, quelle degli anni Quaranta del XVI secolo tendono ad essere tranquille, con una luce squisitamente controllata che proietta un bagliore spirituale quasi palpabile su scene che altrimenti potrebbero sembrare rappresentare l'umile vita quotidiana. Il dipinto Sacra Famiglia (1646) esemplifica questa tenera e compassionevole qualità, così come La stampa da cento fiorini, una delle più rinomate incisioni del maestro, alla quale probabilmente lavorò dal 1645 al 1648 circa. I dipinti a mezzo busto di Cristo a busti, degli ultimi anni Quaranta del 1640, hanno un tono emotivo simile. La ricchezza della superficie pittorica e il colore caldo e armonioso aggiungono lustro ai dipinti di questo periodo.

 

 

Ultimi anni


L'effetto rovinoso sul commercio della prima guerra anglo-olandese (1652-1654) può aver avuto un ruolo nelle difficoltà finanziarie di Rembrandt (per mancanza di committenze e minori entrate da quelle che arrivavano), di cui si hanno prove dal 1653 in poi. Nel 1656 il pittore presentò una petizione di insolvenza. In relazione a ciò, fu fatto un inventario preciso che elencava tutti i suoi beni. Questo elenco di 363 oggetti è una fonte inestimabile di informazioni sugli oggetti, e in particolare sulle opere d'arte, che Rembrandt aveva raccolto. Esso comprendeva numerosi portafogli di disegni e stampe. Tutti questi preziosi oggetti furono venduti all'asta, a partire dal dicembre 1657. Nel 1660 Rembrandt, Tito e Hendrickje si trasferirono in una casa più piccola.

L'idea che l'artista, un tempo famoso, fosse ormai senza amici e trascurato è una finzione. In realtà diversi uomini di spicco che erano suoi amici sono stati al fianco di Rembrandt anche durante questo periodo difficile. Nel 1653 chiede aiuto a Jan Six e ad altri amici e, dando in garanzia le proprie opere, riesce a raccogliere la somma necessaria per pagare a Christoffel Thijssen, una parte della casa di Sint Anthonisbreestrat. Anche se fu vero che i gusti artistici verso la fine della vita dell'artista, erano cambiati verso un tipo di pittura più rifinita ed elegante, tuttavia Rembrandt continuò a ricevere commissioni e a lavorare in modo produttivo. In molti casi il calo di ordinativi riguardò esclusivamente il mercato nazionale mentre, mentre all’estero Rembrandt continuò a essere ancora molto apprezzato; lo dimostra il fatto che un nobile collezionista siciliano, Antonio Ruffo da Messina, gli acquisterà circa 200 incisioni e alcuni dipinti (la sua collezione comprendeva anche quadri di artisti quali Guercino, lo Spagnoletto, Pietro Novelli, Anton Van Dyck, Guido Reni, Polidoro da Caravaggio, Tiziano, Pietro da Cortona, Nicolas Poussin, Abraham Brueghel, Albrecht Dürer, Mattia Preti, Artemisia Gentileschi, Alonso Rodriguez, Salvator Rosa, Abraham Casembroth). Uno dei quadri fu Aristotele che contempla un busto di Omero completato nel 1653 e spedito in Sicilia (oggi il dipinti . Altri due quadri aggiuntivi furono inviati nel 1661. Il significato di Aristotele non è ancora pienamente compreso, ma la sua qualità è indiscutibile. L'impasto sontuoso, il bianco e l'oro scintillanti in contrasto con i neri vellutati e la qualità dell'interiorità sono caratteristiche dello stile di Rembrandt in questo periodo.

 

 

Anche i ritratti su commissione, come quello che Rembrandt dipinse del suo vecchio amico, il patrizio di Amsterdam Jan Six (1654), furono costruiti con le audaci macchie di pittura che invitano l'occhio di chi guarda a vedere la forma solida sotto la superficie. Un'altra importante commissione per un ritratto di gruppo arrivò a Rembrandt nel 1656: la Lezione di anatomia del dottor Joan Deyman, di cui è rimasto solo un frammento ora esposto al Rijksmuseum (gran parte della tela è andata distrutta in un incendio nel 1723 e il dipinto è stato successivamente ritagliato nelle sue dimensioni attuali, anche se un bozzetto preparatorio mostra l'intero gruppo). Un disegno a penna, tuttavia, mostra la composizione simmetrica, con il chirurgo in piedi al centro dietro il cadavere, che si vede in uno scorcio netto, perpendicolare al piano del quadro. Altre figure sono raggruppate simmetricamente su entrambi i lati. La differenza tra questa composizione e la diagonale in profondità che unificava il Dr. Tulp (1632) è una misura del cambiamento non solo in Rembrandt ma nello stile dominante della pittura olandese tra gli anni Trenta e gli anni Cinquanta del XVI secolo.

L'Autoritratto regale di Rembrandt del 1658 (Frick Collection, New York) mostra l'artista anziano seduto di fronte a noi, che incontra i nostri occhi con sguardo schietto e indossa un costume fantastico i cui acuti orizzonti e verticali sottolineano la composizione basata su angoli retti che incarna questo periodo. A questo periodo risalgono anche alcuni ammirevoli ritratti incisi e incisioni di soggetti religiosi, come l'imponente Ecce homo (1655), che riflette un'incisione realizzata nel 1510 da Lucas van Leyden.

È degno di nota il fatto che Rembrandt, anche nella sua piena maturità, abbia adattato tratti di molte fonti. Può darsi che fare l'inventario e affrontare la perdita della sua collezione lo abbia portato a prestare particolare attenzione alle stampe e ai disegni presenti nei suoi portfolio. Nel 1658, ad esempio, dipinse il piccolo e sensibile Giove e Mercurio in visita a Filemone e Bauci, basato su un dipinto di Adam Elsheimer, la cui opera aveva molto impressionato il maestro di Rembrandt, Lastman, quando studiava a Roma. Rembrandt avrebbe potuto conoscere il dipinto di Elsheimer attraverso un'incisione realizzata da Goudt nel 1612.

Nel 1660-1661 Rembrandt dipinse un'enorme tela commissionata per lo splendido nuovo municipio di Amsterdam. Si trattava della Giuramento dei Batavi, o Congiura di Giulio Civile, a noi nota attraverso il frammento rimasto e un disegno a penna dell'intera composizione. Gli olandesi del XVII secolo, che nel 1648, dopo 80 anni di guerra, erano riusciti a portare a termine la loro liberazione dalla dominazione spagnola, si consideravano i discendenti dei Bataviani, che si erano ribellati ai Romani. La scena del giuramento era dipinta in modo ampio, da vedere da lontano, e nei colori più luminosi. Per ragioni non del tutto comprensibili, il dipinto fu rimosso dopo essere stato appeso per un certo tempo in municipio. Forse era inaccettabile perché lo stile era troppo lontano dal trattamento tradizionale dei soggetti patriottici per i luoghi pubblici.

In ogni caso, anche in questo periodo Rembrandt era tenuto in grande considerazione. Nel 1662 dipinse il Sampling Officials of the Drapers' Guild, un ritratto di gruppo la cui vitalità e penetrazione psicologica giustificavano certamente questi dignitosi funzionari nella scelta di un ritrattista. L'audacia della sua pennellata, l'effervescenza del suo colore, che risplendeva come la brace in una stanza buia, e la padronanza del contenuto emotivo aumentavano con l'avanzare dell'età. La bella coppia di ritratti degli ultimi anni, l'Uomo con la lente d'ingrandimento e la Signora con il rosa, hanno pochi pari in tutto il regno dell'arte.

Hendrickje Stoffel morì nel 1663. Nel febbraio 1668 Tito sposò Magdalena van Loo; morì a settembre. Furono i colpi decisivi a una vita già tanto travagliata.  Il solitario Rembrandt continuò a dipingere. Il suo ultimo Autoritratto (Mauritshuis, L'Aia) è datato 1669. Quando morì, il 4 ottobre 1669 nella più assoluta povertà, un dipinto, Simeone con il Bambino Cristo nel Tempio, fu lasciato incompiuto sul suo cavalletto.

 


 

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