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Tra
i protagonisti del movimento artistico della Secessione Viennese,
Gustav Klimt è stato uno dei più importanti pittori austriaci a cavallo tra
Otto e Novecento. Nato a Vienna nel 1862, si formò presso la
Kunstgewerbeschule, dove maturò il suo stile decorativo e simbolista. Noto
per i suoi ritratti femminili e i paesaggi dorati, Klimt raggiunse la fama
con opere come Il Bacio, Giuditta I e Ritratto di Adele Bloch-Bauer I. La
sua pittura influenzò l'arte del primo Novecento.
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Il
pittore
austriaco Gustav Klimt è stato il più conosciuto rappresentante a
Vienna dell'Art Nouveau, o, come lo stile era conosciuto in
Germania, dello Jugendstil ("Stile giovane"). È ricordato
come uno dei più grandi pittori decorativi del XX secolo, e ha anche
prodotto uno dei corpi più significativi dell'arte erotica del secolo.
Inizialmente ebbe grande successo come pittore accademico tradizionale, il
suo incontro con le più moderne tendenze dell'arte europea lo incoraggiò a
sviluppare il suo stile eclettico e spesso fantastico. |
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La sua posizione come co-fondatore e primo presidente della
Secessione Viennese
facilitò l'influenza di questo stile -
sebbene l'influenza di Klimt su altri artisti sia stata limitata. Cercò
di tenersi lontano dagli scandali, che tuttavia lo perseguitarono durante la sua
carriera, e anche se non si sposò mai, si dice che abbia generò da varie
relazioni quattordici figli.
Giovinezza
 Gustav
Klimt nacque il 14 luglio 1862 a Baumgarten,
allora sobborgo di Vienna, oggi parte del 14° distretto
della capitale austriaca, Penzing. Secondo di sette
figli di Ernst Klimt, orafo e cesellatore, e Anna
Finster. Gustav frequentò la Scuola di Arti
Decorative di Vienna nel periodo 1876-1883, dove fu
allievo di Ferdinand Laufberger. Nel 1879, iniziò la
sua carriera come decoratore nel gruppo di Hans Makart,
partecipando all'organizzazione del Festzug
(matrimonio d'argento della coppia imperiale). Nel 1880
entrò a far parte della Künstlerhaus (la Compagnia
degli artisti). L'evento più importante di quegli anni fu il
completamento della decorazione dei pendenti sullo scalone
del
Kunsthistorisches
Museum, che realizzò nonostante la morte del
capo progetto di quest'opera guidata da Hans Mackart,
che consolidò ulteriormente la sua reputazione.
 Nel
1883 fondò un laboratorio con il fratello Ernst, che come
suo padre era orafo e intagliatore, e Franz Matsch. In
particolare, realizzò molti affreschi, allegorie ed emblemi
in stile neoclassico accademico (come lo scalone del
Burghtheater dal 1886 al 1888 a Vienna) e la precisione
dei suoi ritratti divenne famosa. Gli venne affidata la
decorazione di pareti e soffitti di ville, ma anche di
teatri ed edifici pubblici. Decorò i soffitti del Teatro
Fiume (Rijeka) nel 1893, la Villa Herms a Laiz,
il Teatro di Carlsbad nel 1886.
 Le qualità artistiche
di Klimt vennero ufficialmente riconosciute quando nel 1888
ricevette la Croce d'oro al merito artistico
dall'imperatore Francesco Giuseppe I. Quattro anni
dopo, la morte di Matsch portò allo scioglimento della
società. Così, fino al 1890, Gustav Klimt godette di una
solida reputazione di pittore-decoratore che rispondeva alle
richieste ufficiali di dipinti architettonici, ma senza
alcuna reale originalità, perché lontano dai suoi gusti
personali per un'arte moderna in cui voleva esprimersi
totalmente.
Incontro con
Emilie Flöge e rottura con lo "stile accademico".
Per le sue prime commissioni personali (i pendenti sullo
scalone del Kunsthistorisches Museum), emerse uno stile
fondato su modelli accademici, ispirati alle stampe e al
simbolismo giapponese. Nel 1879 partecipò con il fratello
Ernst a lavori di decorazione, che lo resero noto e gli
fecero ottenere i primi riconoscimenti. Cominciò quindi una
relazione con Émilie Flöge, che dirigeva una casa di
moda, e nei primi anni novanta del XIX secolo si avvicinò
agli scrittori Arthur Schniltzer, Hofmaansthal
e Hermann Bahr, interessandosi al simbolismo e
all'impressionismo francese. Nel 1895, durante una mostra a
Vienna, scoprì le opere di
Max Liebermann,
Félicien Rops, ma anche di Klinger, Böcklin
e Rodin.
Nel 1892, alla morte del fratello, dovette garantire la
sicurezza finanziaria della sua famiglia. Iniziò in questo
periodo la sua rottura con l'accademia. Inoltre, il
Ministero austriaco rifiutò la sua nomina alla Cattedra di
Storia della Pittura di Belle Arti. Con alcuni suoi amici,
tra cui Koloman Moser, Joseph Maria Olbrich,
Carl Mol, Josef Hoffmann, Max Kurzweil,
Josef Engelhart ed Ernst Stöhr, il 3 aprile
1897 creò un giornale chiamato "Ver Sacrum"
(Primavera Sacra), con l'ambizione di creare un edificio
dedicato alle arti. Nello stesso anno partecipò alla
fondazione dell'Unione degli artisti figurativi, denominata
"Secessione
viennese", con diciannove artisti della
Küntlerhauss di Vienna. Divenne presidente di questa
associazione, il cui obiettivo era quello di riformare la
vita artistica dell'epoca e produrre opere d'arte che
dovevano elevare "l'arte austriaca al riconoscimento
internazionale a cui aspirava". Si trattava anche di
colmare il divario tra le arti cosiddette "minori",
avvicinando oggetti d'uso e oggetti d'arte, trasformando il
mondo attraverso le arti. Le arti dovevano risvegliare le
coscienze e allontanarsi da qualsiasi compromesso con un
accademismo consolidato.
 Questa
fondazione è in un certo senso la risposta al movimento "Art
Nouveau" in Francia e allo "Jugendstil" che si
sta sviluppando in Germania. La rivista "Ver Sacrum" divenne
il mezzo di espressione della "Secessione", e il portavoce
di questo desiderio di cambiare il mondo, mentre Joseph M.
Olrich riuscì a creare l'edificio della "Secessione"
dedicato alle arti e voluto da Klimt, per dare ai giovani
artisti figurativi uno spazio permanente per esporre le loro
opere.
1898-1910: Periodo dei famosi dipinti
 Nel
1898 Klimt dipinge il famoso dipinto Pallade Atena, che
segna l'emancipazione dell'artista dall'arte ufficiale.
Fu un taglio netto con il passato e la sua idea di carriera
artistica precendete.
Ironia della sorte, l'artista deviò la tradizionale
rappresentazione del soggetto mostrando sotto il volto della
dea con i tratti di una donna fatale, una gorgonia che
sporge dalla lingua. Questa opera fu talmente
rappresentativa di quei momenti di "rottura" artistica, a
cui non mancarono le critiche e le polemiche da ambienti più
conservatori, che il dipinto fu il soggetto del
manifesto della prima mostra della "Secessione" del 1898.
 Nel
1900, in occasione della settima mostra della "Secessione",
Klimt presentò il suo dipinto intitolato Filosofia
(dipinto andato poi distrutto in un incendio nel 1945), che
è il primo dei tre dipinti preparatori con Medicina e
Giurisprudenza (anch'essi andati distrutti) che gli
erano stati commissionati nel 1886 per illustrare le volte
del soffitto dell'Aula Magna, la sala di ricevimento dell'Università
di Vienna. L'artista scelse di rappresentare
la filosofia sotto forma di una sfinge dai contorni sfumati,
con la testa persa nelle stelle, mentre tutti i cicli della
vita, dalla nascita alla vecchiaia, rappresentati attraverso
gli abbracci dell'amore, si svolgono intorno ad essa. A
sinistra, in primo piano, la conoscenza ha le sembianze di
una donna fatale che fissa lo spettatore con i suoi occhi
freddi e scuri. Questo dipinto fu severamente criticato
dalle autorità universitarie che si aspettavano una
rappresentazione classica della materia e che consideravano
questa allegoria come una provocazione al libertinaggio e un
attacco alla morale. Le critiche violente della stampa
accusarono Klimt di oltraggiosa educazione e di voler
pervertire i giovani. Nonostante le critiche in patria
ricevette la medaglia d'oro all'Esposizione universale di
Parigi del 1900.
Le composizioni Medicina e Giurisprudenza
scatenarono e amplificarono le critiche. La medicina venne
rappresentata da una donna che offriva il suo corpo, accanto
alle rappresentazioni della sofferenza e della morte. La
giurisprudenza fu rappresentata da un criminale in preda ai
suoi istinti, mentre la giustizia rimaneva fissa e
impassibile, incastonata in un mosaico di ispirazione
bizantina. Klimt dovette rinunciare a vedere i suoi dipinti
decorati nell'Aula Magna, senza però rinunciare alla sua
invenzione estetica.
Durante la quattordicesima mostra della "Secessione" del
1902 dedicata alla musica di
Beethoven, Klimt presentò un affresco in sette pannelli
raffigurante la Nona Sinfonia, destinato ad
illustrare una scenografia per l'architetto Josef Hoffman,
incaricato di realizzare un monumento in memoria del
musicista. Quest'opera d'arte fu approvata dallo stesso
Gustav Mahler: per lui rappresentò l'aspirazione alla
felicità dell'umanità sofferente, che cerca il suo
appagamento nelle arti.
Nel 1907, Klimt incontrò il giovane pittore
Egon Schiele,
che influenzerà molto: sarà per lui un modello e un maestro.
Gli anni 1902-1903 rappresentano una svolta nell'opera di
Klimt e un periodo di intensa creatività. Iniziò la
realizzazione del suo "Ciclo d'Oro" con Pesci d'Oro,
il Ritratto di Adele Bloch-Bauer e Danae. Nel
1904, un ricco banchiere belga Adolphe Stoclet gli
commissiona la progettazione dei murales per la sala da
pranzo di un lussuoso palazzo da lui costruito a Bruxelles
su progetto dell'architetto Hoffman. La ricchezza decorativa
di Klimt esplode in La Speranza e in L'Abbraccio,
che poi realizza.
Il quadro Il Bacio, che è il più rappresentativo del
genio di Gustav Klimt e che egli dipinge nel 1906, sarà
riprodotto nel tema de L'abbraccio per l'affresco di
Aldolphe Stoclet. A partire dal 1908, di fronte ai
disaccordi con molti artisti del gruppo, lascia, con alcuni
suoi amici, la "Secessione" che, secondo lui, tendeva ad
essere più serrata. La lasciò, accompagnato da Koloman
Moser, Carl Moll, Otto Wagner e altri.
Successivamente affinò il suo stile, evitando l'oro dal 1909
in poi. Si dedicò alla pittura di paesaggi o scene
allegoriche molto ornate, sempre più stilizzate e con colori
vivaci che lo avvicinano al divisionismo di Seurat,
ma anche di
Van Gogh e Bonnard.
Fine della
carriera e morte
Alla fine della sua carriera Klimt era più interessato alla
pittura intima e ai ritratti. Realizzò ritratti di donne di
grandi dimensioni con composizioni riccamente decorate per
adulare una clientela ricca e borghese che gleli
commissiona, e realizzò anche numerose scene di donne nude o
donne con pose languide ed erotiche, in abiti stravaganti in
composizioni asimmetriche, senza rilievo e senza
prospettive, ricche di un ornamento scintillante, invasivo e
sensuale. Nel 1910, Klimt partecipò alla Biennale di
Venezia, dove ritrovàil successo e la notorietà del
periodo pre-Aula Magna dell'Università di Vienna. Assunse il
titolo di decoratore di "fine secolo", pittore
dell'intellighenzia austriaca e inventore dell'arte
decorativa. Nel 1917, le Accademie delle Arti di
Vienna e Monaco di Baviera lo nominano membro onorario.
Morì il 6 febbraio 1918 a Vienna per un ictus e fu sepolto a
Vienna presso il cimitero di Hietzing, aveva 56 anni.
Lasciava dietro di se numerosi amanti e 14 figli illegittimi
ufficiali. Di lui ci restano circa duecento opere, tra
maggiori e minori, e oltre tremila disegni.
Il lascito di
Gustav Klimt
Il gusto decorativo, le affascinanti e sinuose raffigurazioni femminili sfumate in un raffinato astrattismo e gli elementi simbolici della sua opera ne fanno l'artista più rappresentativo della
Secessione, la risposta austriaca all'Art Nouveau. Tra le sue opere,
Testa di ragazza (1898, collezione privata),
Le tre età della donna (1905),
L'albero della vita, L'attesa, Il bacio (1908, Vienna, Österreichische Galerie),
La morte e la vita (1908, Vienna,
collezione privata), Giuditta (1909,
Venezia, Museo d'Arte Moderna di Ca' Pesaro),
ritratti di Fritza Riedler e di Adele Bloch-Bauer (1912, Vienna, Österreichische Galerie),
Locanda sull'Attersee (1915-1916, Stati Uniti, collezione privata).
 La vicenda artistica di Gustav Klimt
infatti, coincise quasi per intero con la storia della Secessione viennese. Con il termine
Secessione si intendono quei movimenti artistici, nati a fine ’800 tra Germania ed Austria, che avevano come obiettivo la creazione di uno stile che si distaccasse da quello accademico. Di fatto, le Secessioni introdussero in Austria e in Germania le novità stilistiche dell’Art Nouveau che in quel momento dilagavano per tutta Europa. La prima Secessione nacque a
Monaco nel 1892. Fu seguita nel 1893 da quella di
Berlino e
nel 1897 da quella di Vienna.
La Secessione viennese fu un vasto movimento culturale ed artistico che vide coinvolti architetti (Olbrich,
Hoffmann e Wagner) e pittori (olre a Klimt, Moll, Moser,
Kurzweil, Roller). La Vienna in cui questi artisti si trovarono ad operare era in quel momento una delle capitali europee più raffinate e colte. La presenza di musicisti quali
Mahler e Schönberg, di intellettuali quali Freud e Wittgenstein, di scrittori quali
Musil, rendevano Vienna una delle città più affascinanti d’Europa. L’aura "biedermeier" di Vienna era tuttavia l’apoteosi di un mondo che stava per scomparire, consapevole della sua prossima fine. Cosa che avvenne effettivamente con lo scoppio della
Prima Guerra Mondiale che decretò la dissoluzione dell’Impero Austro-Ungarico.
Questa coscienza della fine,
tratto comune a molta cultura decadente di fine secolo, pone anche la Secessione viennese nell’alveo della pittura simbolista, sebbene con uno spirito d'indipendenza e un tratto stilistico diverso da quello del Simbolismo francese, cui si può considerare solo parzialmente affine. E tale caratteristica è riscontrabile anche nella pittura di Klimt che rimane il personaggio più vitale ed emblematico della Secessione viennese.
 Gustav Klimt nacque in un sobborgo di Vienna, e in questa città frequentò la
Kunstgewerbeschule (Scuola delle Arti decorative). Giovanissimo, insieme al fratello Ernest e all'amico
Franz Matsch, diede vita alla sua prima società artistica, procurandosi commissioni per decorare edifici pubblici. Ne ricavò una certa notorietà e ulteriori commissioni, quale l’importante incarico di decorare
l’aula magna dell’Università. Nel 1897 fu tra i fondatori e primo presidente della Secessione, partecipando sempre attivamente alle attività del gruppo da cui si distaccò in polemica nel 1906 per fondare una nuova formazione: la
Kunstschau, una "secessione dalla Secessione". Nel 1912 divenne presidente dell’Unione Austriaca degli Artisti.
Alla Scuola delle Arti decorative Klimt ricevette un insegnamento accademico basato essenzialmente sullo studio del nudo e sull’ornato. La sua produzione grafica, molto ampia, durante gli anni giovanili rivela lo studio sulle tematiche dell’arte italiana del
Rinascimento. Di questo periodo è
La giovinezza (1882) eseguito per la pubblicazione Allegorie ed emblemi, una pubblicazione con lo scopo di fornire dei suggerimenti per ogni genere di decorazione.
Klimt nei suoi
primi lavori mostra una precisione di disegno e di esecuzione assolutamente straordinarie, ponendosi però in un filone di eclettismo storicistico tipico di una certa cultura del secolo scorso in cui gli elementi della tradizione, in particolare rinascimentale, vengono ampiamente rivisitati e riutilizzati.
 Col tempo il disegno di Klimt mutò considerevolmente. Il
Nudo disteso verso destra, del 1912, un disegno a matita blu e rossa con una forte carica erotica, mostra un linearismo essenziale che è il risultato del cambiamento. Dal 1884 in poi in ogni elemento decorativo creato da Gustav Klimt sarà presente la cornice, ripresa dall’ambiente artistico di
William Morris. Negli anni a cavallo tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento, l’arte di Gustav Klimt
cambia: un preziosismo quasi
gotico, un disegno rigoroso ed armonico, un uso del colore teso a sottolineare effetti di trasparenze, un gusto per la decorazione indirizzato verso la bidimensionalità, pur mantenendo effetti volumetrici.
In
Giuditta I, del 1901, il soggetto biblico è decisamente subalterno al corpo seminudo, appena coperto da un velo violaceo con ornamentazioni dorate, che è un inno alla bellezza femminile e al potere incantatore del suo sguardo. Non c’è linea di contorno: il corpo di Giuditta, come il suo abito velato, sfuma dolcemente e quasi si confonde con lo sfondo.
Il dipinto è reso ancor più prezioso dall’utilizzo del fondo in oro, ripreso dalle tavole gotiche. Esso segna l'inizio del cosiddetto "Periodo
Aureo" di Klimt. Due viaggi compiuti a
Ravenna nel 1903 diedero a Klimt ulteriori stimoli. Da quel momento
l’oro, già presente in alcune opere precedenti, acquista una valenza espressiva maggiore, fornendo la trama coloristica principale dei suoi quadri. Da qui la definizione, appunto, di "Periodo Aureo". Il dominio dell'oro, che distingue le tele di questo periodo, deriva da un bisogno di trasfigurazione, dal desiderio di sublimare la realtà. Attraverso la superficie brillante ed intarsiata dell'oro bilancia la scarsa volumetria delle forme e infonde un aura magica in quel fascino ricercato ed arcano.
 Una delle opere chiave di Klimt, soprattutto per il superamento delle angosce legate alla figura femminile, è
Il bacio (prima foto in alto). L'elemento di maggior risalto della produzione klimtiana è costituito dall'inserimento di dettagli naturalistici in un mondo di pura astrazione, in cui il ruolo portante dell'immagine viene affidato ad
un decorativismo stilizzato e piatto. L'insistenza con cui Klimt perfeziona lo splendore dei suoi ritratti annulla ogni intento introspettivo, come in
Adamo ed Eva. La dominante dell'oro ereditata dall'arte bizantina
del mosaico, viene privata del valore di trascendenza religiosa. Nella sua arte essa risponde ad esigenze di preziosismo estetico ed assume al contempo una forte carica erotica, come in
Danae.
In questi anni, Klimt comincia ad
utilizzare l'oro in foglia, per poi, nel 1908 con
L’Attesa (parte sinistra del
Fregio Stoclet) passare ad un fondo che pare pulviscolo dorato su una distesa verdastra che rende la sensazione di una superficie a mosaico molto più dell’oro in foglia. Il formato perfettamente quadrato contribuisce a dare l’illusione di uno spazio infinito dove la maternità, il soggetto della tela,
diventa un evento sacro ed è proposto alla contemplazione dell’osservatore. All’accennata volumetria delle sole parti nude del corpo si contrappone la bidimensionalità della veste e la linea di contorno. In corrispondenza del ventre della giovane gravida, vi è un teschio, simbolo della morte, ad indicare l’esito di ogni vita.
 Nel "Periodo Aureo" l'arte di Klimt si rivela soprattutto grazie a splendidi ritratti con una forte prevalenza di immagini femminili, filtrate attraverso una cultura raffinata e una visione intrisa di simbolismi. Questa fase si conclude nel 1909 con il quadro
Giuditta II. Seguì un periodo di crisi esistenziale ed artistica dal quale Klimt uscì dopo qualche anno. Il suo stile conobbe una nuova fase, la cosiddetta "terza fase" klimtiana, rigenerato dall’incontro con i colori dei
Fauves e
di Matisse, con la poetica aggressiva e veemente di Van Gogh, con
Toulouse-Lautrec. Scompaiono gli ori e le eleganti linee art nouveau, diviene protagonista il colore acceso e vivace. Le minuzie decorative lineari verranno sostituite con getti di colore arditamente accostati con un’inesauribile ricchezza cromatica. La Culla, del 1918 (rimasto incompiuto), è la dimostrazione di tale cambiamento.
Questa fase viene di certo influenzata dalla pittura espressionista che già da qualche anno si era manifestata in area tedesca. E Klimt l’aveva conosciuta soprattutto attraverso all’attività di due artisti viennesi, già suoi allievi:
Egon Schiele e Oscar Kokoschka.
Klimt dipinse anche un certo numero di paesaggi, in cui subisce l'influenza dell'Impressionismo (in special modo dello stile di
Claude Monet) e
successivamente dell'Espressionismo; queste contaminazioni si manifestano nella ricerca di una modalità espressiva più spontanea e meno sofisticata.
"Chi vuole sapere qualcosa
di me - come artista, l'unica cosa cha ha significativo - si
dovrebbe guardare con attenzione i miei dipinti e non cercare di
riconoscere quello che sono e quello che voglio." Gustav Klimt
Vedi anche:
Una passeggiate a Vienna
con Klimt
Klimt nei musei di Vienna
Le
tre età della donna
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