Gustav Klimt

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Vita di Gustave Klimt - Biografia e opere 

Il pittore austriaco Gustav Klimt è stato il più conosciuto rappresentante a Vienna dell'Art Nouveau, o, come lo stile era conosciuto in Germania,  dello Jugendstil ("Stile giovane"). E' ricordato come uno dei più grandi pittori decorativi del XX secolo, e ha anche prodotto uno dei corpi più significativi dell'arte erotica del secolo. Inizialmente ebbe grande successo come pittore accademico tradizionale, il suo incontro con le più moderne tendenze dell'arte europea lo incoraggiò a sviluppare il suo stile eclettico e spesso fantastico.

La sua posizione come co-fondatore e primo presidente della Secessione Viennese facilitò l'influenza di questo stile - sebbene l'influenza di Klimt su altri artisti sia stata limitata. Cercò di tenersi lontano dagli scandali, che tuttavia lo perseguitarono durante la sua carriera, e anche se non si sposò mai, si dice che abbia generò da varie relazioni quattordici figli.

Giovinezza

Giovane Gustav KlimtGustav Klimt nacque il 14 luglio 1862 a Baumgarten, allora sobborgo di Vienna, oggi parte del 14° distretto della capitale austriaca, Penzing. Secondo di sette figli di Ernst Klimt, orafo e cesellatore, e Anna Finster. Gustav frequentò la Scuola di Arti Decorative di Vienna nel periodo 1876-1883, dove fu allievo di Ferdinand Laufberger. Nel 1879, iniziò la sua carriera come decoratore nel gruppo di Hans Makart, partecipando all'organizzazione del Festzug (matrimonio d'argento della coppia imperiale). Nel 1880 entrò a far parte della Künstlerhaus (la Compagnia degli artisti). L'evento più importante di quegli anni fu il completamento della decorazione dei pendenti sullo scalone del Kunsthistorisches Museum, che realizzò nonostante la morte del capo progetto di quest'opera guidata da Hans Mackart, che consolidò ulteriormente la sua reputazione.

Affreschi di Klimt al Museo di Belle Arti di Vienna - Kunsthistorisches MuseumNel 1883 fondò un laboratorio con il fratello Ernst, che come suo padre era orafo e intagliatore, e Franz Matsch. In particolare, realizzò molti affreschi, allegorie ed emblemi in stile neoclassico accademico (come lo scalone del Burghtheater dal 1886 al 1888 a Vienna) e la precisione dei suoi ritratti divenne famosa. Gli venne affidata la decorazione di pareti e soffitti di ville, ma anche di teatri ed edifici pubblici. Decorò i soffitti del Teatro Fiume (Rijeka) nel 1893, la Villa Herms a Laiz, il Teatro di Carlsbad nel 1886.

Decorazioni di Klimt nel BurgtheaterLe qualità artistiche di Klimt vennero ufficialmente riconosciute quando nel 1888 ricevette la Croce d'oro al merito artistico dall'imperatore Francesco Giuseppe I. Quattro anni dopo, la morte di Matsch portò allo scioglimento della società. Così, fino al 1890, Gustav Klimt godette di una solida reputazione di pittore-decoratore che rispondeva alle richieste ufficiali di dipinti architettonici, ma senza alcuna reale originalità, perché lontano dai suoi gusti personali per un'arte moderna in cui voleva esprimersi totalmente.

Incontro con Emilie Flöge e rottura con lo "stile accademico".

Per le sue prime commissioni personali (i pendenti sullo scalone del Kunsthistorisches Museum), emerse uno stile fondato su modelli accademici, ispirati alle stampe e al simbolismo giapponese. Nel 1879 partecipò con il fratello Ernst a lavori di decorazione, che lo resero noto e gli fecero ottenere i primi riconoscimenti. Cominciò quindi una relazione con Émilie Flöge, che dirigeva una casa di moda, e nei primi anni novanta del XIX secolo si avvicinò agli scrittori Arthur Schniltzer, Hofmaansthal e Hermann Bahr, interessandosi al simbolismo e all'impressionismo francese. Nel 1895, durante una mostra a Vienna, scoprì le opere di Max Liebermann, Félicien Rops, ma anche di Klinger, Böcklin e Rodin.

Nel 1892, alla morte del fratello, dovette garantire la sicurezza finanziaria della sua famiglia. Iniziò in questo periodo la sua rottura con l'accademia. Inoltre, il Ministero austriaco rifiutò la sua nomina alla Cattedra di Storia della Pittura di Belle Arti. Con alcuni suoi amici, tra cui Koloman Moser, Joseph Maria Olbrich, Carl Mol, Josef Hoffmann, Max Kurzweil, Josef Engelhart ed Ernst Stöhr, il 3 aprile 1897 creò un giornale chiamato "Ver Sacrum" (Primavera Sacra), con l'ambizione di creare un edificio dedicato alle arti. Nello stesso anno partecipò alla fondazione dell'Unione degli artisti figurativi, denominata "Secessione viennese", con diciannove artisti della Küntlerhauss di Vienna. Divenne presidente di questa associazione, il cui obiettivo era quello di riformare la vita artistica dell'epoca e produrre opere d'arte che dovevano elevare "l'arte austriaca al riconoscimento internazionale a cui aspirava". Si trattava anche di colmare il divario tra le arti cosiddette "minori", avvicinando oggetti d'uso e oggetti d'arte, trasformando il mondo attraverso le arti. Le arti dovevano risvegliare le coscienze e allontanarsi da qualsiasi compromesso con un accademismo consolidato.

Palazzo Secessione VienneseQuesta fondazione è in un certo senso la risposta al movimento "Art Nouveau" in Francia e allo "Jugendstil" che si sta sviluppando in Germania. La rivista "Ver Sacrum" divenne il mezzo di espressione della "Secessione", e il portavoce di questo desiderio di cambiare il mondo, mentre Joseph M. Olrich riuscì a creare l'edificio della "Secessione" dedicato alle arti e voluto da Klimt, per dare ai giovani artisti figurativi uno spazio permanente per esporre le loro opere.

1898-1910: Periodo dei famosi dipinti

Pallade AtenaNel 1898 dipinge il famoso dipinto Pallade Atena, che segna l'emancipazione di Gustav Klimt dall'arte ufficiale. Ironia della sorte, l'artista deviò la tradizionale rappresentazione del soggetto mostrando sotto il volto della dea con i tratti di una donna fatale, una gorgonia che sporge dalla lingua. Questo dipinto fu il soggetto del manifesto della prima mostra della "Secessione" del 1898.

Filosofia - Gustav KlimtNel 1900, in occasione della settima mostra della "Secessione", Klimt presentò il suo dipinto intitolato Filosofia (dipinto andato poi distrutto in un incendio nel 1945), che è il primo dei tre dipinti preparatori con Medicina e Giurisprudenza (anch'essi andati distrutti) che gli erano stati commissionati nel 1886 per illustrare le volte del soffitto dell'Aula Magna, la sala di ricevimento dell'Università di Vienna. L'artista scelse di rappresentare la filosofia sotto forma di una sfinge dai contorni sfumati, con la testa persa nelle stelle, mentre tutti i cicli della vita, dalla nascita alla vecchiaia, rappresentati attraverso gli abbracci dell'amore, si svolgono intorno ad essa. A sinistra, in primo piano, la conoscenza ha le sembianze di una donna fatale che fissa lo spettatore con i suoi occhi freddi e scuri. Questo dipinto fu severamente criticato dalle autorità universitarie che si aspettavano una rappresentazione classica della materia e che consideravano questa allegoria come una provocazione al libertinaggio e un attacco alla morale. Le critiche violente della stampa accusarono Klimt di oltraggiosa educazione e di voler pervertire i giovani. Nonostante le critiche in patria ricevette la medaglia d'oro all'Esposizione universale di Parigi del 1900.

Le composizioni Medicina e Giurisprudenza scatenarono e amplificarono le critiche. La medicina venne rappresentata da una donna che offriva il suo corpo, accanto alle rappresentazioni della sofferenza e della morte. La giurisprudenza fu rappresentata da un criminale in preda ai suoi istinti, mentre la giustizia rimaneva fissa e impassibile, incastonata in un mosaico di ispirazione bizantina. Klimt dovette rinunciare a vedere i suoi dipinti decorati nell'Aula Magna, senza però rinunciare alla sua invenzione estetica.

Durante la quattordicesima mostra della "Secessione" del 1902 dedicata alla musica di Beethoven, Klimt presentò un affresco in sette pannelli raffigurante la Nona Sinfonia, destinato ad illustrare una scenografia per l'architetto Josef Hoffman, incaricato di realizzare un monumento in memoria del musicista. Quest'opera d'arte fu approvata dallo stesso Gustav Mahler: per lui rappresentò l'aspirazione alla felicità dell'umanità sofferente, che cerca il suo appagamento nelle arti.

Nel 1907, Klimt incontrò il giovane pittore Egon Schiele, che influenzerà molto: sarà per lui un modello e un maestro.

Gli anni 1902-1903 rappresentano una svolta nell'opera di Klimt e un periodo di intensa creatività. Iniziò la realizzazione del suo "Ciclo d'Oro" con Pesci d'Oro, il Ritratto di Adele Bloch-Bauer e Danae. Nel 1904, un ricco banchiere belga Adolphe Stoclet gli commissiona la progettazione dei murales per la sala da pranzo di un lussuoso palazzo da lui costruito a Bruxelles su progetto dell'architetto Hoffman. La ricchezza decorativa di Klimt esplode in La Speranza e in L'Abbraccio, che poi realizza.

Il quadro Il Bacio, che è il più rappresentativo del genio di Gustav Klimt e che egli dipinge nel 1906, sarà riprodotto nel tema de L'abbraccio per l'affresco di Aldolphe Stoclet. A partire dal 1908, di fronte ai disaccordi con molti artisti del gruppo, lascia, con alcuni suoi amici, la "Secessione" che, secondo lui, tendeva ad essere più serrata. La lasciò, accompagnato da Koloman Moser, Carl Moll, Otto Wagner e altri. Successivamente affinò il suo stile, evitando l'oro dal 1909 in poi. Si dedicò alla pittura di paesaggi o scene allegoriche molto ornate, sempre più stilizzate e con colori vivaci che lo avvicinano al divisionismo di Seurat, ma anche di Van Gogh e Bonnard.
 

Fine della carriera e morte

Alla fine della sua carriera Klimt era più interessato alla pittura intima e ai ritratti. Realizzò ritratti di donne di grandi dimensioni con composizioni riccamente decorate per adulare una clientela ricca e borghese che gleli commissiona, e realizzò anche numerose scene di donne nude o donne con pose languide ed erotiche, in abiti stravaganti in composizioni asimmetriche, senza rilievo e senza prospettive, ricche di un ornamento scintillante, invasivo e sensuale. Nel 1910, Klimt partecipò alla Biennale di Venezia, dove ritrovàil successo e la notorietà del periodo pre-Aula Magna dell'Università di Vienna. Assunse il titolo di decoratore di "fine secolo", pittore dell'intellighenzia austriaca e inventore dell'arte decorativa.  Nel 1917, le Accademie delle Arti di Vienna e Monaco di Baviera lo nominano membro onorario.

Morì il 6 febbraio 1918 a Vienna per un ictus e fu sepolto a Vienna presso il cimitero di Hietzing, aveva 56 anni. Lasciava dietro di se numerosi amanti e 14 figli illegittimi ufficiali. Di lui ci restano circa duecento opere, tra maggiori e minori, e oltre tremila disegni.

Il lascito di Gustav Klimt

Il gusto decorativo, le affascinanti e sinuose raffigurazioni femminili sfumate in un raffinato astrattismo e gli elementi simbolici della sua opera ne fanno l'artista più rappresentativo della Secessione, la risposta austriaca all'Art Nouveau. Tra le sue opere, Testa di ragazza (1898, collezione privata), Le tre età della donna (1905), L'albero della vita, L'attesa, Il bacio (1908, Vienna, Österreichische Galerie), La morte e la vita (1908, Vienna, collezione privata), Giuditta (1909, Venezia, Museo d'Arte Moderna di Ca' Pesaro), ritratti di Fritza Riedler e di Adele Bloch-Bauer (1912, Vienna, Österreichische Galerie), Locanda sull'Attersee (1915-1916, Stati Uniti, collezione privata).

Fregio di BeethovenLa vicenda artistica di Gustav Klimt infatti, coincise quasi per intero con la storia della Secessione viennese. Con il termine Secessione si intendono quei movimenti artistici, nati a fine ’800 tra Germania ed Austria, che avevano come obiettivo la creazione di uno stile che si distaccasse da quello accademico. Di fatto, le Secessioni introdussero in Austria e in Germania le novità stilistiche dell’Art Nouveau che in quel momento dilagavano per tutta Europa. La prima Secessione nacque a Monaco nel 1892. Fu seguita nel 1893 da quella di Berlino e nel 1897 da quella di Vienna.

Affreschi di Klimt al Museo di Belle Arti di ViennaLa Secessione viennese fu un vasto movimento culturale ed artistico che vide coinvolti architetti (Olbrich, Hoffmann e Wagner) e pittori (olre a Klimt, Moll, Moser, Kurzweil, Roller). La Vienna in cui questi artisti si trovarono ad operare era in quel momento una delle capitali europee più raffinate e colte. La presenza di musicisti quali Mahler e Schönberg, di intellettuali quali Freud e Wittgenstein, di scrittori quali Musil, rendevano Vienna una delle città più affascinanti d’Europa. L’aura "biedermeier" di Vienna era tuttavia l’apoteosi di un mondo che stava per scomparire, consapevole della sua prossima fine. Cosa che avvenne effettivamente con lo scoppio della Prima Guerra Mondiale che decretò la dissoluzione dell’Impero Austro-Ungarico.

Questa coscienza della fine, tratto comune a molta cultura decadente di fine secolo, pone anche la Secessione viennese nell’alveo della pittura simbolista, sebbene con uno spirito d'indipendenza e un tratto stilistico diverso da quello del Simbolismo francese, cui si può considerare solo parzialmente affine. E tale caratteristica è riscontrabile anche nella pittura di Klimt che rimane il personaggio più vitale ed emblematico della Secessione viennese.

Gustav Klimt nacque in un sobborgo di Vienna, e in questa città frequentò la Kunstgewerbeschule (Scuola delle Arti decorative). Giovanissimo, insieme al fratello Ernest e all'amico Franz Matsch, diede vita alla sua prima società artistica, procurandosi commissioni per decorare edifici pubblici. Ne ricavò una certa notorietà e ulteriori commissioni, quale l’importante incarico di decorare l’aula magna dell’Università. Nel 1897 fu tra i fondatori e primo presidente della Secessione, partecipando sempre attivamente alle attività del gruppo da cui si distaccò in polemica nel 1906 per fondare una nuova formazione: la Kunstschau, una "secessione dalla Secessione". Nel 1912 divenne presidente dell’Unione Austriaca degli Artisti.

Alla Scuola delle Arti decorative Klimt ricevette un insegnamento accademico basato essenzialmente sullo studio del nudo e sull’ornato. La sua produzione grafica, molto ampia, durante gli anni giovanili rivela lo studio sulle tematiche dell’arte italiana del Rinascimento. Di questo periodo è La giovinezza (1882) eseguito per la pubblicazione Allegorie ed emblemi, una pubblicazione con lo scopo di fornire dei suggerimenti per ogni genere di decorazione.
Klimt nei suoi primi lavori mostra una precisione di disegno e di esecuzione assolutamente straordinarie, ponendosi però in un filone di eclettismo storicistico tipico di una certa cultura del secolo scorso in cui gli elementi della tradizione, in particolare rinascimentale, vengono ampiamente rivisitati e riutilizzati.

La Morte e la VitaCol tempo il disegno di Klimt mutò considerevolmente. Il Nudo disteso verso destra, del 1912, un disegno a matita blu e rossa con una forte carica erotica, mostra un linearismo essenziale che è il risultato del cambiamento. Dal 1884 in poi in ogni elemento decorativo creato da Gustav Klimt sarà presente la cornice, ripresa dall’ambiente artistico di William Morris. Negli anni a cavallo tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento, l’arte di Gustav Klimt cambia: un preziosismo quasi gotico, un disegno rigoroso ed armonico, un uso del colore teso a sottolineare effetti di trasparenze, un gusto per la decorazione indirizzato verso la bidimensionalità, pur mantenendo effetti volumetrici.

In Giuditta I, del 1901, il soggetto biblico è decisamente subalterno al corpo seminudo, appena coperto da un velo violaceo con ornamentazioni dorate, che è un inno alla bellezza femminile e al potere incantatore del suo sguardo. Non c’è linea di contorno: il corpo di Giuditta, come il suo abito velato, sfuma dolcemente e quasi si confonde con lo sfondo.

Il dipinto è reso ancor più prezioso dall’utilizzo del fondo in oro, ripreso dalle tavole gotiche. Esso segna l'inizio del cosiddetto "Periodo Aureo" di Klimt. Due viaggi compiuti a Ravenna nel 1903 diedero a Klimt ulteriori stimoli. Da quel momento l’oro, già presente in alcune opere precedenti, acquista una valenza espressiva maggiore, fornendo la trama coloristica principale dei suoi quadri. Da qui la definizione, appunto, di "Periodo Aureo". Il dominio dell'oro, che distingue le tele di questo periodo, deriva da un bisogno di trasfigurazione, dal desiderio di sublimare la realtà. Attraverso la superficie brillante ed intarsiata dell'oro bilancia la scarsa volumetria delle forme e infonde un aura magica in quel fascino ricercato ed arcano.

Una delle opere chiave di Klimt, soprattutto per il superamento delle angosce legate alla figura femminile, è Il bacio (prima foto in alto). L'elemento di maggior risalto della produzione klimtiana è costituito dall'inserimento di dettagli naturalistici in un mondo di pura astrazione, in cui il ruolo portante dell'immagine viene affidato ad un decorativismo stilizzato e piatto. L'insistenza con cui Klimt perfeziona lo splendore dei suoi ritratti annulla ogni intento introspettivo, come in Adamo ed Eva. La dominante dell'oro ereditata dall'arte bizantina del mosaico, viene privata del valore di trascendenza religiosa. Nella sua arte essa risponde ad esigenze di preziosismo estetico ed assume al contempo una forte carica erotica, come in Danae.

Le tre età della donna - Galleria Nazionale Moderna di RomaIn questi anni, Klimt comincia ad utilizzare l'oro in foglia, per poi, nel 1908 con L’Attesa (parte sinistra del Fregio Stoclet) passare ad un fondo che pare pulviscolo dorato su una distesa verdastra che rende la sensazione di una superficie a mosaico molto più dell’oro in foglia. Il formato perfettamente quadrato contribuisce a dare l’illusione di uno spazio infinito dove la maternità, il soggetto della tela, diventa un evento sacro ed è proposto alla contemplazione dell’osservatore. All’accennata volumetria delle sole parti nude del corpo si contrappone la bidimensionalità della veste e la linea di contorno. In corrispondenza del ventre della giovane gravida, vi è un teschio, simbolo della morte, ad indicare l’esito di ogni vita.

Nel "Periodo Aureo" l'arte di Klimt si rivela soprattutto grazie a splendidi ritratti con una forte prevalenza di immagini femminili, filtrate attraverso una cultura raffinata e una visione intrisa di simbolismi. Questa fase si conclude nel 1909 con il quadro Giuditta II. Seguì un periodo di crisi esistenziale ed artistica dal quale Klimt uscì dopo qualche anno. Il suo stile conobbe una nuova fase, la cosiddetta "terza fase" klimtiana, rigenerato dall’incontro con i colori dei Fauves e di Matisse, con la poetica aggressiva e veemente di Van Gogh, con Toulouse-Lautrec. Scompaiono gli ori e le eleganti linee art nouveau, diviene protagonista il colore acceso e vivace. Le minuzie decorative lineari verranno sostituite con getti di colore arditamente accostati con un’inesauribile ricchezza cromatica. La Culla, del 1918 (rimasto incompiuto), è la dimostrazione di tale cambiamento.

Questa fase viene di certo influenzata dalla pittura espressionista che già da qualche anno si era manifestata in area tedesca. E Klimt l’aveva conosciuta soprattutto attraverso all’attività di due artisti viennesi, già suoi allievi: Egon Schiele e Oscar Kokoschka.

Klimt dipinse anche un certo numero di paesaggi, in cui subisce l'influenza dell'Impressionismo (in special modo dello stile di Claude Monet) e successivamente dell'Espressionismo; queste contaminazioni si manifestano nella ricerca di una modalità espressiva più spontanea e meno sofisticata.

"Chi vuole sapere qualcosa di me - come artista, l'unica cosa cha ha significativo - si dovrebbe guardare con attenzione i miei dipinti e non cercare di riconoscere quello che sono e quello che voglio." Gustav Klimt

Vedi anche:

Una passeggiate a Vienna con Klimt

Klimt nei musei di Vienna

Le tre età della donna

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