Michelangelo

Vita di Michelangelo Buonarroti - Biografia e opere

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La giovinezza e le prime opere

Michelangelo Buonarroti nacque da una famiglia che per diverse generazioni appartenne a una piccola nobiltà fiorentina ma che, al momento della nascita dell'artista, aveva perso il suo patrimonio e il suo status. Suo padre aveva lavori governativi solo occasionali, e al momento della nascita di Michelangelo era amministratore del piccolo borgo di Caprese. Qualche mese dopo, però, la famiglia tornò alla sua residenza permanente a Firenze.

Per la sua famiglia, diventare artista fu un passo sociale verso il basso, e Michelangelo divenne apprendista relativamente tardi, a 13 anni. In ogni caso, Michelangelo già dalla più tenera età aveva manifestato una straordinaria propensione al disegno, riuscendo, con la caparbietà datagli dal carattere e con l’incoraggiamento dell'amico Francesco Granacci, a vincere le resistenze del padre "uomo religioso e buono, e piuttosto d'antichi costumi" (a quest'epoca, a Firenze, la pittura è ancora ritenuta arte "meccanica" e indegna di un giovane di buona famiglia): nell’aprile del 1488, tredicenne, entra quindi come apprendista nella bottega di Domenico Ghirlandaio il pittore più importante di Firenze in quel periodo (da cui apprese la tecnica dell'affresco). Quest'ultimo, stava lavorando agli affreschi nel coro della Basilica di Santa Maria Novella: ma i primi autografi buonarrotiani (tre disegni a penna, databili al 1488-90, copie dal Masaccio della Chiesa di Santa Maria Carmine e di Giotto della Cappella Peruzzi nella Basilica di Santa Croce) attestano come il fatto "che il fanciullo non si appagasse dell'espertissima pittura del Ghirlandaio significa né più né meno il rifiuto della sensibilità sottile e nervosa dell’arte fiorentina della terza generazione del secolo, il fastidio per quello spirito di naturalismo episodico e di eleganza ornamentale che la caratterizzavano e il bisogno di tornare allo spirito grandioso e sintetico del primo Quattrocento" (Salvini). Dopo un solo anno, se ne andò dalla bottega del Ghirlandaio avendo raccontato (al suo futuro biografo Condivi) di non avere nient'altro da imparare.

Degli anni dal 1490, in cui Michelangelo prende a frequentare la cerchia di Lorenzo il Magnifico (che ammirandone le doti di scultore, lo tratta "non altrimenti che come figliuolo") fino al 1503, non ci restano opere pittoriche sicuramente autografe: nelle due tavole con la Madonna e la Deposizione di Cristo, ascrivibili al 1510 e conservate alla National Gallery di Londra, la critica ha preferito scorgere la mano di un artista sconosciuto, forse amico di Michelangelo, che abbia lavorato sotto la sua ispirazione ed assistenza. All'interno della cerchia del "Magnifico" Michelangelo ebbe accesso alla collezione d'arte medicea, dominata da frammenti dell'antica statuaria romana. Lo scultore bronzista Bertoldo di Giovanni, che si occupava della collezione, era il più vicino a un maestro di scultura, ma Michelangelo non seguì il suo approccio. Tuttavia, una delle due opere marmoree che sopravvivono dai primi anni dell'artista è una variazione sulla composizione di un antico sarcofago romano, e Bertoldo ne aveva prodotto una simile in bronzo. Questa composizione è la Battaglia dei Centauri (c. 1492). L'azione e la potenza delle figure preannunciano gli interessi dell' artista più tardi, molto più della Madonna delle Scale (1491 ca.), un delicato bassorilievo che riflette le recenti mode di scultori fiorentini come Desiderio da Settignano.

Firenze in questo periodo era considerata il maggiore centro d'arte esistente, capace di produrre i migliori pittori e scultori d'Europa, e la competizione tra gli artisti era stimolante. La città, tuttavia, non offriva più grandi commissioni, e importanti artisti fiorentini, come Leonardo da Vinci e Andrea del Verrocchio, maestro di Leonardo, si erano allontanati per ottenere migliori opportunità in altre città. I Medici furono rovesciati nel 1494, e anche prima della fine del tumulto politico che Michelangelo aveva lasciato Firenze per trasferirsi a Bologna.

Nella città emiliana fu ingaggiato per succedere ad uno scultore recentemente deceduto e scolpire le ultime piccole figure necessarie per completare un grande progetto, nella Basilica di San Domenico, la tomba e il santuario di San Domenico, la Cosiddetta Arca di San Domenico (1494-95). Il giovane Michelangelo contribuì con alcune piccole ma significative statue: quella di San Petronio, di San Procolo e l'angelo reggicandelabro di destra. Le tre figure in marmo sono originali ed espressive. Partendo dall'agilità fantasiosa del suo predecessore, egli impose serietà alle sue immagini con una compattezza della forma che deve molto all'antichità classica e alla tradizione fiorentina da Giotto in poi. Questa enfasi sulla serietà si riflette anche nella sua scelta del marmo come medium, mentre la semplificazione delle masse che lo accompagna è in contrasto con la tendenza, allora più usuale, a far coincidere il più possibile le rappresentazioni con la struttura e il dettaglio dei corpi umani. Certo, sebbene queste siano qualità costanti nell'arte di Michelangelo, spesso sono temporaneamente abbandonate o modificate a causa di altri fattori, come le funzioni specifiche delle opere o le stimolanti creazioni di altri artisti.

Il Bacco

Questo fu il caso della prima grande statua superstite di Michelangelo, il Bacco, prodotta a Roma nel periodo 1496-97 dopo un breve ritorno a Firenze e che oggi si trova al Museo del Bargello. (Un crocifisso ligneo, recentemente scoperto, attribuito da alcuni studiosi a Michelangelo e ora ospitato nella Casa Buonarroti di Firenze, è stato proposto anche come antecedente del Bacco nel disegno da chi lo accredita come opera dell' artista). Il Bacco si basa su antiche figure nude romane come punto di partenza, ma è molto più mobile e più complesso nel profilo. L'instabilità cosciente evoca il  dionisiaco dio del vino che si diverte con straordinaria virtuosità. Realizzato per un giardino, è anche unico tra le opere di Michelangelo nel chiedere l'osservazione da tutti i lati piuttosto che principalmente dal fronte.

La Pietà

Il Bacco portò subito alla commissione da parte del cardinale francese Jean de Bilhères, nel 1498 della Pietà, una delle opere più famose nella storia dell'arte, destinata alla Cappella di Santa Petronilla (la cappella dei re di Francia) nella Basilica di San Pietro. Il nome "Pietà" non fa riferimento (come spesso si presume) a questa specifica opera ma ad un tipo tradizionale comune di immagine devozionale più comune nell'Europa del nord, di cui oggi è l'esempio più famoso. Estratto dalle scene narrative della lamentazione dopo la morte di Cristo, il gruppo scultoreo concentrato dei due soggetti è stato progettato per evocare le preghiere pentimentali dell'osservatore per i peccati che richiedevano la morte sacrificale di Cristo. Il problema più complesso da affrontare per l'artista era quello di estrarre due figure da un blocco di marmo, un'impresa insolita e molto difficile in tutti i periodi. Michelangelo trattò il gruppo come una massa densa e compatta, tanto che possiede un impatto imponente, eppure ha sottolineato i molti contrasti presenti - di maschio e femmina, verticale e orizzontale, vestito e nudo, morto e vivo - per chiarire le due componenti. Michelangelo quando scolpì la Pietà aveva solo 23 anni.

Il David

L'importanza dell'artista fiorentino stabilita dalla Pietà, fu subito rafforzata dalla commissione nel 1501 del David per la cattedrale di Firenze. Per questa statua gigantesca, una commissione eccezionalmente grande a Firenze, Michelangelo riutilizzò un blocco rimasto incompiuto circa 40 anni prima. La modellazione risultò particolarmente vicina alle formule dell'antichità classica, con una geometria semplificata adatta alla grande scala ma con una lieve affermazione della vita organica nella sua asimmetria. La grandiosa scultura servì come la prima affermazione dell'ideale rinascimentale di umanità perfetta. Sebbene fosse originariamente destinata al contrafforte della cattedrale, la magnificenza dell'opera finita convinse i contemporanei di Michelangelo a installarla in un luogo più prominente, determinato da una commissione formata da artisti e cittadini di primo piano. Decisero che il David sarebbe stato installato di fronte all'ingresso del Palazzo dei Priori (oggi Palazzo Vecchio) come simbolo stesso della Repubblica Fiorentina.

Negli stessi anni (1501-04) Michelangelo produceva diverse Madonne per case private, la base del lavoro degli artisti dell'epoca. Questi includono una statuetta, due rilievi circolari simili a dipinti che suggeriscono vari livelli di profondità spaziale, e l'unica tela da cavalletto dell'artista. Mentre la statua (Madonna e Bambino) è bloccata e immobile, il dipinto (Sacra Famiglia o Tondo Doni) e uno dei rilievi (Madonna e Bambino con San Giovanni bambino) sono pieni di movimento; mostrano braccia e gambe di figure intrecciate in azioni che implicano movimento nel tempo. Le forme portano riferimenti simbolici alla morte futura di Cristo, comuni nelle immagini del Cristo Bambino dell'epoca; esse tradiscono anche il fascino dell'artista per l'opera di Leonardo. Michelangelo negò regolarmente che chiunque lo avesse influenzato, e le sue dichiarazioni sono state generalmente accettate senza timore. Ma il ritorno di Leonardo a Firenze nel 1500 dopo quasi 20 anni fu entusiasmante per gli artisti più giovani e gli studiosi della fine del XX secolo concordarono generalmente sul fatto che Michelangelo era tra le persone che ne furono più colpite. Le opere di Leonardo furono probabilmente le più potenti e durature influenze esterne che modificarono il suo lavoro, e fu in grado di fondere la capacità dell'artista di mostrare processi momentanei con i propri per mostrare peso e forza, senza perdere nessuna di queste qualità. Le immagini che ne risultano, di corpi massicci in azione vigorosa, sono quelle creazioni speciali che costituiscono la maggior parte delle sue opere più ammirate.

Il Tondo Doni

Il cosiddetto Tondo Doni primo dipinto sicuro di Michelangelo, è della fine del 1503: in questa tavola, l'artista non ancora trentenne giunge a esperire, e consumare, quelli che diverranno i suoi formidabili archetipi concettuali e formali. La sostanza espansa e inafferrabile dell'immagine leonardesca, che egli aveva conosciuto dal cartone della Sant'Anna esposto in città tre anni prima, si fa qui contorno deciso, "linea funzionale" (Longhi), definente nello spazio un nodo di figure oramai eminentemente scultoreo, poiché, come afferma Carlo Giulio Argan, "... i concetti non hanno alcun rapporto con l'esperienza sensoria".

Il Tondo Doni fu destinata a rinnovare profondamente la tradizione quattrocentesca fiorentina del "tondo", superando lo spazio prospettico di Masaccio o di Domenico Veneziano e quello ritmico del Botticelli (si pensi alla Madonna della melagrana) nell'affermazione di uno spazio universale, "immaginando una umanità gigantesca che agisce, ma in moti raccolti e serrati e come inceppati dalla massa" (Roberto Longhi).

Anni centrali nella carriera di Michelangelo

Dopo il successo del David nel 1504, l'opera di Michelangelo consisteva quasi interamente di vasti progetti. L'artista era attratto da questi compiti ambiziosi e allo stesso tempo respingeva il ricorso agli assistenti, cosicché la maggior parte di questi progetti erano impraticabili e non furono completati. In effetti, nella cerchia artistica di Roma e Firenze ci si stupiva del fatto che Michelangelo non avesse creato una sua scuola o bottega di aiuti. Avere molti allievi significava  la possibilità di eseguire molte opere e di guadagnare di più. L'artista fiorentino, al contrario del rivale Raffaello, viveva a tratti fra gli stenti, isolato e solitario. Ma nonostante questo, era conosciuto, riconosciuto e ammirato. Non aveva solo un temperamento chiuso, ma più un opera era impegnativa, più lui si illuminava e tormentava per risolverla e portarla a termine in una infinita e ripagata fiducia nella sue doti. Tutta la sua presunzione era giustificata dal suo immenso talento.

Battaglia di Cascina

Dall'autunno del 1504 al marzo dell'anno successivo Michelangelo è impegnato a una grande, quanto inattuata, impresa pittorica: l'affresco della Battaglia di Cascina per la sala del Maggiore Consiglio nel Palazzo della Signoria, celebrante la vittoria fiorentina del 1364 contro l'esercito pisano comandato da John Hawkwood, il famoso Giovanni Acuto (Il nome italiano gli fu attribuito da Niccolò Machiavelli). Il lavoro fu commissionato — come informa Giorgio Vasari — da "Piero Soderini, allora gonfaloniere, per la gran virtù che egli vidde in Michelagnolo" non andò più in là dell'esecuzione del "cartone", (vale a dire del disegno a grandezza naturale da trasporre sul muro prima di dipingerlo), oggi perduto e a noi noto attraverso una copia del 1542 di Aristotele da Sangallo, oltre che da una serie di schizzi e disegni di mano michelangiolesca, che tende "verso l’espressione di un terrore assoluto e la raffigurazione di una fuga altrettanto assoluta e totale: come sarà nel Diluvio, già qui il motivo lirico è l'ansia totale e disperata di salvezza". (Roberto Salvini).

L'affresco del Buonarroti doveva formare una coppia con un altro appena iniziato da Leonardo da Vinci. Entrambi gli affreschi descrivevano vittorie militari della città, ma ognuno di essi doveva anche essere la testimonianza delle abilità speciali, tanto vantate, degli artisti della città. Il progetto di Leonardo, la Battaglia di Anghiari, mostrava cavalli al galoppo, i nudi soldati di Michelangelo si fermano a nuotare e si arrampicano su un fiume per rispondere ad un allarme. Anche l'opera di Leonardo sopravvive solo in copie e schizzi preparatori parziali.

San Matteo

Nel 1505 l'artista iniziò a lavorare su una serie di 12 apostoli di marmo per la cattedrale di Firenze, di cui uno solo, San Matteo, fu addirittura iniziato. Il suo movimento estatico mostra la piena miscela del fluido movimento organico di Leonardo con il potere monumentale di Michelangelo. Questa è anche la prima delle opere incompiute di Michelangelo che hanno affascinato gli osservatori successivi. Le sue figure sembrano suggerire che stanno lottando per uscire dalla pietra. Questo implicherebbe che il loro stato incompleto era intenzionale, ma senza dubbio egli voleva completare tutte le statue. Ha però scritto un sonetto su quanto sia difficile per lo scultore portare la figura perfetta fuori dal blocco in cui è potenzialmente presente. Così, anche se le opere sono rimaste incompiute solo per mancanza di tempo e per altre ragioni esterne, la loro condizione, tuttavia, riflette l'intensa sensibilità dell' artista per le tensioni insite nel processo creativo.

L'appello di Papa Giulio II a Michelangelo di venire a Roma ha posto fine ad entrambi i progetti fiorentini, quello della Battaglia di Cascina e quello delle sculture dei 12 apostoli per la Cattedrale di Firenze. Il papa cercò una tomba per la quale Michelangelo avrebbe scolpito 40 grandi statue. Le recenti tombe erano state sempre più grandi, tra cui quelle di due papi dello scultore fiorentino Antonio Pollaiuolo, quelle dei dogi di Venezia e quella poi in opera per il Sacro Romano Imperatore Massimiliano I. Papa Giulio aveva un' immaginazione ambiziosa, parallela a quella di Michelangelo, ma a causa di altri progetti, come la nuova costruzione di San Pietro e le sue campagne militari, evidentemente divenne presto disturbato dal costo. Michelangelo credeva che il Bramante, l' altrettanto prestigioso architetto di San Pietro, avesse influenzato il papa a tagliare i suoi fondi. Lasciò Roma, ma il papa fece pressione sulle autorità cittadine di Firenze per mandarlo indietro. Fu messo al lavoro su una colossale statua in bronzo del papa nella città bolognese appena conquistata (che i cittadini tirarono giù poco dopo quando scacciarono l' esercito papale) e poi sul progetto meno costoso di dipingere il soffitto della Cappella Sistina (1508-12).

Cappella Sistina
 

Tra il marzo 1505 e la fine del 1507 si dipana la "tragedia della sepoltura", la vicenda della tormentata commissione del monumento funebre di Giulio II, destinata a segnare, e incupire, profondamente l’animo dell'artista. Ma nel maggio del 1508 egli sottoscrive a Roma, con lo stesso Giulio II, il contratto per la decorazione della volta della Cappella Sistina : ampliando il programma iconografico previsto dal pontefice ("... mi dette nuova commessione che io facessi nella volta quello che io volevo", scriverà più tardi in una lettera) Michelangelo porta a conclusione l'affresco in quattro anni di lavoro solitario e accanito.

Nella forma della volta, egli inserisce le figure grandiose dei Profeti e delle Sibille, degli Ignudi e delle Storie della Genesi, dando vita, nei pennacchi, nelle vele e nelle lunette con le Miracolose salvazioni d'Israele ad un'epica rappresentazione dell’Umanità "ante legem" e "sub lege". Tutta l'immensa, emozionante struttura, divenuta "simbolo" stesso dell’arte rinascimentale, vive della neoplatonica identità tra Bene e Bello e riflette, nel suo substrato speculativo, il concetto dell'irradiarsi divino nell'anima umana attraverso i diversi gradi della conoscenza (i Profeti e le Sibille) e dell’avvento della Rivelazione Cristiana quale meta finale della storia spirituale dell'uomo.

L’opera di Michelangelo rappresenta, secondo Longhi, "... l'ultima grande espressione del disegno come linea funzionale vibrante in masse di plasticità raccolta" : di questa espressione, la volta della Sistina costituisce l'esito più alto prima del Giudizio Universale, affrescato fra il 1536 e il 1541 sulla parete dell’altare. Questa seconda, sconvolgente rappresentazione esorbita i limiti e la misura spaziale così come l'iconografia tradizionale al tema: in essa, "... Michelangelo non può dipingere beati che salgono al cielo volando senza peso ma soltanto corpi che danno la scalata al cielo puntellandosi a fatica sulle nubi solide come rocce; e più volentieri che beati dipinge dannati fra le strette dei diavoli" (Longhi). In una visione tanto alta quanto disperata, il Giudizio travolge, con gli ideali formali, anche le certezze morali ed intellettuali della "Rinascenza", segnandone la drammatica conclusione e contemporaneamente preparando, fuori d'ogni garanzia dottrinale, il terreno alla coscienza moderna.

Così i due affreschi, la Conversione di San Paolo e la Crocifìssione di San Pietro, eseguiti fra il 1542 e il 1550 nella Cappella Paolina, vivono "di uno spazio senz'aria, pieno di una luce arida e quasi sabbiosa (...), rappresentano, insomma, il momento della lirica religiosa di Michelangelo; cioè il momento in cui la poesia, verbale o visiva che sia, gli appare come un esercizio spirituale, una vera e propria pratica ascetica. È il momento di quella che, di lì a poco, Giordano Bruno chiamerà “contractio animi"» (Argan).

Michelangelo era considerato il più grande artista vivente della sua epoca (e che epoca! Il Rinascimento) e da allora è entrato dell'Olimpo dei più grandi artisti di tutti i tempi.  Un effetto collaterale della fama di Michelangelo nella sua vita era che la sua carriera era più ampiamente documentata rispetto a quella di qualsiasi artista dell'epoca o di un periodo precedente. Fu il primo artista occidentale la cui biografia venne pubblicata mentre era ancora vivo, infatti, c'erano due biografie rivali. Il primo fu il capitolo finale della serie di vita degli artisti (1550) di un altro grande genio del Rinascimento, il pittore e architetto Giorgio Vasari. Era l'unico capitolo su un artista vivente e presentava esplicitamente le opere di Michelangelo come la perfezione culminante dell'arte, superando gli sforzi di tutti coloro che lo precedevano. Nonostante un tale encomio, Michelangelo non fu del tutto soddisfatto e fece scrivere al suo assistente Ascanio Condivi un breve libro separato (1553); probabilmente sulla base dei commenti espressi dall'artista stesso, questo racconto lo mostra così com'egli voleva apparire.

Dopo la morte di Michelangelo, Vasari in una seconda edizione (1568) cambiò la sua biografia migliorandola. Mentre gli studiosi hanno spesso preferito l'autorità di Condivi, la scrittura vivace di Vasari, l'importanza del suo libro nel suo complesso, e la sua frequente ristampa in molte lingue ne hanno fatto la base più usuale di idee popolari su Michelangelo e altri artisti rinascimentali. La fama di Michelangelo portò anche alla conservazione di innumerevoli cimeli, tra cui centinaia di lettere, schizzi e poesie, ancora una volta più che di qualsiasi altro contemporaneo.
 

Gli ultimi vent'anni di vita di Michelangelo sono rivolti soprattutto all'architettura e ai problemi scultorici: alcuni disegni degli anni estremi hanno come tema Crocifissione e Deposizione; in essi, ogni ricerca di finitezza o bellezza formale è dimessa, o subordinata alla meditazione sul sacrificio del Cristo quale catarsi e riscatto del dramma dell'uomo. Michelangelo Buonarroti morirà a Roma il 18 febbraio 1564, dopo avere "... mille fiate chiesto a Dio quell'ale/ con le quali del mortale /career nostr'intelletto al ciel si leva": la sua scontrosa, talora sperimentale ricerca e il suo cinquantennale magistero costituiranno per intere generazioni d'artisti, sino alle soglie del '700, un'eredità tanto problematica quanto ineludibile.

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